「今聞こえる曲の感じは赤色のように感じるので、もう少し、黄色っぽい感じを出して欲しい・・・。」

いきなりですが、曲（又は音）をこうして、色で表現した事があるでしょうか？

私は、そう言われた事があって（今でもあるけど・・・。）最初はどう表現したらよいか分かりませんでした。

当たり前の事ですが、音は耳で聞くものであって、目で見る事は出来ません。

しかし曲を聴いていて、情景が思い浮んだりした事は誰でもあると思います。

ミックスをしていて、殆どの人が具体的に物事を言ってきます。（例えば、ボーカルのレベルをもう少し上げて欲しい・・・とか。）

私としては言われた通りにすれば良いので簡単なのですが、色で表現されると、それはそれは楽しいですね。

相手にとっての「赤」と自分にとっての「赤」のイメージは勿論違います。

今聴いている感じの何処が「赤」に感じるのかな？と、まずそこから考えて、相手と自分の中にある「赤」のイメージのギャップを埋めていき、どうすれば黄色っぽい感じが出るか？等、色々と思考錯誤の連続です。

色だけでなくイメージで物事を言われると、こちらとしても色々なアイデアが浮かんでくるので、やっていて張り合いがあります。

一つのアイデアを１０倍にも、１００倍にもする感性がそこで必要になってきます。

エンジニアは技術職ですが、芸術性を持ち合わせてないと出来ない職業でもあると思います。

今回はハードディスク・レコーディングについて説明していきます。

ここ１，２年の間に、急速にハードディスク・レコーディングの割合が増えてきました。

ハードディスク・レコーディング専用のスタジオも増えてきています。

特にアメリカでは、テープ・レコーダーの主流が今だアナログの２４ｃｈテープ・レコーダーなので、ハードディスクでのレコーディングは必要不可欠になってきています。

日本では、スタジオで常駐している所も増えてきていますが、プロデューサーやエンジニアが仕事場に持ち運んで行くケースも多々あります。

今や、主流のレコーディング・システムになりつつあります。（でもテープレスになることは決して無いと思いますが・・・。）

ハードディスク・レコーディングの利点は、コストパフォーマンスを下げられる、細かい直しが敏速かつ正確に短時間で出来る等があげられます。

打ち込み等は、わざわざスタジオを借りる事無く、自宅に機材さえあれば簡単に出来てしまいます。

唄の直しも、今までは手作業で煮詰めながらやっていましたが、ハードディスク・レコーディングだとマウスをクリックするだけ？ですしね。

しかし便利になればなるほど、周りのスタッフが何でも出来てしまうと思う事が実は怖かったりします。

機械に頼ってしまうと、向上心（演奏や唄等）がなくなってしまうかな？なんて思う事もあります。

今回は一人多重録音について説明します。

最近というわけでも有りませんが、一人で全ての楽器を演奏するアーティストは増えてきました。

素朴な疑問として、アーティストが一人なのに、どうして全部自分で演奏出来るのか？不思議に思いませんか？

僕は学生の頃良くそのような疑問を抱いていました。

バンドでもそうです。

ギタリストが一人だけなのに、色々なギターの音が聞こえたり、コーラスで一人の声が沢山聞こえたり・・・。

不思議でしたね。

これはマルチ録音という方法があって、それでその様な事が可能なのです。

マルチ録音に関しては前に説明しましたが、今回は具体的な例を挙げて説明していきます。

まず最初にラフな形でリズムトラック（ドラムス、ベース、ギター、ピアノ、パーカッション等）の録音を打ち込み（シンセサイザー）で行います。

その後にメロ関係（仮唄や仮メロ）の録音をします。

こうして最初にデモ・トラックを作成して、曲の感じやサイズを掴むのです。

この作業をしないとどんな曲なのか分からないし、何よりもガイドとなる物が無いと演奏出来ませんしね。

そしてこうした作業が終了したら演奏していきます。

最初はドラムスから始め、ベース、ギター、ピアノといった順番（勿論、人によって違います。）に録音していきます。

この時に注意する点は、パーカッションやドラムのループはシンセの音源をそのまま使用するという事がよく有ります。

シンセで打ち込んでいるので、リズムは完全に合っています。

これは一人多重録音にだけの事ではないのですが、生リズムの録音をすると１００％に近い確立でリズムが揺れます。

ですから演奏する側の人は、シンセで最初に打ち込んで、それをそのまま使用する音にはきちんと合わせないといけません。

この辺の事を気になる人は、非常に注意を払って演奏しています。

しかし、人間が演奏している以上、リズムが揺れるのは当然の事ですし、演奏に乗ってきて、それでリズムが揺れるのは僕はかっこいいと思っているのですが、この辺は人それぞれですね。

多少リズムが揺れているけど、演奏がかっこよければＯＫ！！とはなかなかいきませんね・・・。

プレイヤー側は気になって直したりしますが、そうするとこじんまりとして、演奏に勢いが無くなってしまう事が多々有ります。

ちょっいと脱線してしまいましたが・・・。

一人多重録音は演奏する側にとっては非常に大変だと思います。

全ての楽器を演奏するわけですからね。時間も掛かりますし、集中力も必要とします。

でもその分、自分の納得がいくまでする事が出来ます。

エンジニア・サイドも時間を掛けて音作りに没頭出来ますし、実験的な事も可能です。

普段出来ないような事を試したりします。

それが採用されたりする事が結構多いですね。

アーティストと二人三脚で制作してるという気になります。

今後、そのようなアーティストがもっと出てきて欲しいと思いますね。

今回はＢＢＳで質問の有った、リミックスについて説明します。

リミックスとは何か？

色々なパターンが有るのですが、マルチ･テープに入っているオリジナル曲の音素材を、手を加えずにミックス・ダウンのみする場合もあれば、音素材を幾つか抜いたり、足したりしてミックスする場合も有ります。

後はメロディーだけ一緒で、全ての音素材を録音し直す事もしますね。

この場合、どれもリミックスになります。つまり、リミックスとは既存する曲にもう一度手を加える事をいいます。

オリジナル曲と少しでも代わっていたら、それはリミックスになるのです。

リミックス集のレコード会社的内部事情はここでは避けますが、エンジニアとしても実験的な事に色々と挑戦できる機会なので、リミックスのレコーディング・セッションは楽しいし、気楽に？取り組めます。

オリジナル曲とは違い、遊びの要素が大きい（重要ともいう。）のがリミックスだったりします。

勿論、オリジナル曲でも遊びの要素は沢山有ります。

同じ事なのですが、リマスタリングという作業も有ります。

使用してる曲はオリジナルで、マスタリングのみやり直す事をいいます。

特にＣＤが発売された頃の作品は、マスタリングの状況もあまり良くなかったので、数年後にマスタリングのみやり直して発売してる作品も多いですね。

有名な所では、レッド・ツェッペリンの「ＲＥＭＡＳＴＥＲ」という作品が有りますが、これはアルバム・タイトル通り、マスタリングをやり直したのです。

始めてレッド・ツェッペリンの作品がＣＤ化された時のサウンドは、「あまりの凄さにコメントを差し控えさせてもらいます・・・。」という感じですね。

でも当時は「お〜〜すげ〜〜」なんて思っていたのです。

今回はエンジニアにとってのスピーカーについて説明していきます。

音の出口であるスピーカーは、エンジニアにとって非常に重要な機材です。

それで聞こえてくる全ての音を判断する訳ですからね。

基本的にレコーディング・スタジオにはラージ・スピーカーとスモール・スピーカーの２種類のスピーカーが用意されています。

ラージ・スピーカーはスタジオの壁に埋まっているスピーカーの事をいいます。

勿論、埋まっていないスピーカーもありますが、それはスタジオの構造上の問題等があって、台の上に置いてあるスピーカーも有ります。

スモール・スピーカーはコンソールの上に置いてあるスピーカーの事をいいます。

「ＹＡＭＡＨＡ−１０Ｍ」というスピーカーを殆どのスタジオで使用しています。

勿論、このスピーカー以外を用意してあるスタジオも有ります。

スピーカーの種類、用途はエンジニアによって違います。

スタジオで用意してあるスピーカーを使う人も勿論居ますが、自分のスピーカーを持ち込んで使用している人もいます。

私はマイ・スピーカーを持ち込んで使用しています。

個人的に録音機材の中で、スピーカーは一番こだわっている機材です。

スピーカーから出てきた音で全てを判断しますから、自分としても納得のいく機材で無いと困ります。

スピーカー選びで一番重要なことは（個人的意見）、ダイナミクス・レンジ（再生可聴範囲）でしょうか。

ダイナミクス・レンジを広く作っているつもりでも、再生されてないと判りませんからね。

スタジオでは同じスピーカーでも周辺機材（コンソールやアンプ等）の関係で違う聞こえ方をします。

私が使用しているスピーカーはアンプ内臓スピーカーなので、スピーカーのキャラクターを理解すれば何処に行っても迷う事は有りません。

スピーカーに関してはエンジニアによって考え方が違うので、全てに当てはまるという事では有りません。

これはあくまでも個人的意見です。

今回はエンジニアの精神論について書いていこうと思います。

ＮＯ，１５で書いた「レコーディング・エンジニアについて」とだぶってしまう個所があるかもしれませんがご勘弁下さいませ。

現在エンジニア（アシスタント・エンジニアも含む）として活動している人で、しょうがなくこの仕事を選んだという人はまず居ないと言って良いでしょう。

皆、エンジニアを目指して選んだ道だと思います。

ミュージシャンになりたいのだが、実力的に無理なのでエンジニアを選んだ、という人がたまにいます。

でもそういう人は１００％脱落していきます。

それ程険しい道のりなのです。

セッションをしていてエンジニアはスタジオ内で中心的存在です。

全ての音に責任を持たなければいけません。

プロデューサー、ディレクター、ミュージシャンの意見をスピーカーから答えを出さないといけません。

口で言った所でなんの解決もしないのです。

かといって言われた通りにするだけではエンジニアは勤まりません。

１つのアイディアを１０，２０にするくらいの感性が必要です。

ＴＤをしている時には最初の数時間は自分の世界でミックスをしていきます。

録音している時に思い浮んだアイディアを色々と試しながら進めていきます。

そこである程度聴かせられる状況になったら一度聴いてもらいます。

そこで他の人から色々な意見が出てきます。

それをそのままするのも良いですが、アイディアを膨らまそうとチャレンジしてみます。

しかし、大体ボツになる事が多いのですが・・・。

エンジニアもある意味サービス業なので、時には自分の主張を抑えなければいけない時があります。

しかし誰にも気付かないように、自分の主張を入れてしまう事もたま〜〜にします。

エンジニアって側から見るとかっこいい！と思われていますが、実際は地味〜〜な事ばかりしているのですよ。

でも好きだからやってられるのでしょうね。

セッション中は苦しい？想い出ばかりですが、自分の手がけた作品がテレビやラジオから流れてきたら、それはそれは嬉しいですね。

今までやってきた事が初めて報われたような気がします。

将来エンジニアを目指している人に向けてこれだけは必要！という条件は・・・「とにかく音楽が好き！！」ですね。

これさえあれば他は必要ありません。

このＨＰを見て、エンジニアを目指そう！と思った人が今後出て来たら嬉しいですね。

今回はデモテープについて説明します。

最近デモテープを聴く機会が多いのですが、皆さん非常にクォリティーの高い素晴らしいデ・モテープを作っていて、見習いたいとよく思います。

その理由にアマチュア用（半民製機）の録音機材が安い値段で良い物が手に入るようになりました。

僕らが見てもびっくりするような物が沢山あります。

そのままＣＤにしても問題無い作品もありますね。

かなり凝ったデモテープも多いですが、個人的には凝ったデモテープよりかは制作者の勢いとか、その辺を重要視して聴いています。

よくありがちなのは、デモテープは能天気（良い意味で）で勢いがあってかっこいいのですが、いざレコーディングに入るとこじんまりとしてしまう事が結構あります。

本番で緊張しているのでしょうが、デモテープの明るいのりをそのまま反映してもらいたいですね。

ですから自宅で作っている時も何も考えず、その場の「ノリ」をテープに吹き込んで下さい。

その方が絶対に聴く側に伝わります。

今回はピアノの録音について説明します。

まずピアノという楽器ですが、非常にレンジが広くマイクのセッティングの仕方で聞こえ方が全く違います。

使用するマイクはコンデンサ・タイプのマイクを使用しますが、ピアノの種類によって変わってきます。

ピアノのマイクセッティングに関してですが、基本的にはピアノの蓋を開て、若干離れた位置にマイクを２本使用します。

あまり直接的な音を狙うので無く、間接的に響いてきた音を狙うようにして録音します。

劇伴等ではピアノのマイクに他の楽器の音が被ってしまう事があるので、その時にはふたを少しだけ開いて中に入れてマイクをセッティングします。

個人的に音が被る事自体気にしないのですが、ピアノだけは他の楽器の音が被ってしまうと後の処理が非常に大変なので極力被らないようにします。

ピアノのオフマイクに関してですが、個人的にはあまり立てません。

クラシックの録音やピアノをメインとしたアレンジの曲の時くらいですね。

今回はマスタリングについて説明します。

マスタリングとは、トラック・ダウン（ミックス・ダウン、以下ＴＤ）で作ったマスターテープ（アナログ、デジタル両方）をＣＤにする為に行う最終の作業です。

マスタリング時に作ったマスターテープをＣＤプレス工場に送って、そこで初めてＣＤになって皆さんの聴けるような状態になるのです。

マスタリングで使用されるテープは３/４インチのデジタル・テープ（通称、弁当箱）です。

このテープは映像用で主に使用されているテープなのですが、音声トラックしか使われていません。

つまり映像トラックは全く使われていないのです。

テープ幅のほんの数ミリしか使っていません。

マスタリングでどのような事をするかといいますと、曲順に並び替えたり、曲間を決めたり、全体的な質感（音質）を揃えたりします。

ＴＤ時にこのような作業はしません。

マスタリングはきちんとマスタリング・エンジニアがいるので、レコーディング・エンジニアがマスタリングを行う事は殆どありません。

たま〜〜にレコーディング・エンジニアがマスタリングをする事もあります。

個人的には第３者の意見を重要視したいので、マスタリング時には全く何も言いません。

もうおまかせ状態です。

同じ曲を何度も何度も聴いているので、普通の精神状態で聴く事が出来ないし、仮に自分でマスタリングしても、きっと良い状態で作業を進める事が出来ないでしょう。

レコーディングも重要ですが、マスタリングでも作品の出来を左右してしまうので極めて重要な作業なのです。

今回はアシスタント・エンジニアについて説明します。

レコーディングでは技術スタッフが基本的に２人しかいません。

レコーディング（ミキシング）・エンジニアとアシスタント・エンジニアです。

テレビは沢山の技術スタッフがいますが、レコーディングは少数で作業を進めていきます。

少ない分、やるべき事は沢山あります。

アシスタント・エンジニアの役割ですが、セッティング（例えばマイクのセッティングとか、コンソール周りのセッティング）、テープ・レコーダーのオペレート等があります。

セッティングやオペレートはアシスタント・エンジニアにとって当然の作業なので、さほど大きな重要点ではありません。

では何が重要か？

アシスタント・エンジニアにとって一番重要な事は、セッションの流れを作る事です。

これが出来るか出来ないかでセッション自体が大きく変わってきます。

セッションの流れを作れるアシスタント・エンジニアは作業もてきぱきと無駄なく進められるし、周りの状況もしっかりと判断出来ています。

そうするとエンジニア、ディレクター、ミュージシャンからも信頼されるようになります。

作業効率も非常に上がりますね。

逆にセッションの流れを作れないという事はミスも多いし、周りの状況判断も出来ていませんね。

そうすると周りのスタッフからも信頼されません。

どうしたらセッションの流れを作れるようになるか？これは経験を積むしかありません。

教えて出来るようになるものでもないし、本人に向上心が無いと気づかないでしょう。

テープ・レコーダーのオペレートが出来るだけの人は、何処のスタジオも必要無いと思います。

特に貸しスタジオにとってアシスタント・エンジニアはそのスタジオの顔ですからね。

スタジオを使用する側の人達からすれば、アシスタント・エンジニアでスタジオを選ぶ人も少なくありません。

現在アシスタント・エンジニアで頑張っている人達は、技術以外の何かを見つけられるよう頑張ってもらいたいと思います。

今回は少し視点を変えて、レコーディング・エンジニアについて説明します。

今、アシスタント・エンジニアとして頑張っている人、又は将来、レコーディング・エンジニアを目指している人が、全てレコーディング・エンジニアになれるとは限りません。

正直言って厳しい世界だし狭き門です。

まず学校を卒業して、スタジオ関係の仕事につける人は非常に少ないです。

スタジオを希望する人の数とスタジオの数があまりにも違います。

スタジオサイドも数人採用して、半年くらいの間研修期間として雇うので、そこで何人かふるいにかけられます。

スタジオに就職したからといって、いきなりセッションには参加出来ません。

最初はお茶くみや電話番が主な仕事です。

ここで嫌になって辞めていく人が多いですね。

１０時に出社して、帰りは終電で帰るという日が何日も続きます。（その日に帰れるのはまだ良い方です。）

私のついていた所は、最初に就職したスタジオが非常に小さいスタジオだった為、入った３日後にはセッションについていました。

右も左もわからない状況でアシスタント・エンジニアとしてデビューしたのです。

最初は今思い出しても悲惨なくらいあほあほでした。

パンチ・インは当然のごとく間違えるし、そんな事を何度も続けると、エンジニアの人が灰皿やリモコンを投げ、ミュージシャンには怒鳴られるし・・・。

今となっては良い経験ですが、当時は泣きそうでした。

そんなこんなで半年くらい経ち、運が良い事に正式にスタジオの一員になりました。

その頃には結構？？？まともになってきたのです。

そして、一年後に自分としては大きな編成の録音がしたいという欲望にかられて、キング・レコードの試験を受けたのです。

だめもとで受けたら受かってしまい、晴れてキング・レコード録音部の一員になりました。

そうこうしてるうちに、「このままではいけない・・・。」な〜んてまた思ってしまい退社しました。

退社後ＮＹへ修行の旅に出ました。

これが私の中で転機となった出来事です。

エンジニアとしての考え方、将来自分のなるべき姿をＮＹで学んできました。

日本にいたら絶対に思いもしなかった事を肌で感じて学んできました。

帰国後、フリーランスのエンジニアに・・・。

とまあ、自分の事をつらつらと書いてきましたが、レコーディング・エンジニアになるのって大変なのです。

スタジオに入ったら常にその場の中心的存在でないといけません。

プロデューサーやディレクターの支えとならないといけないし、そう有るべきだと思います。

有る意味、エンジニアもプロデューサーなのです。

レコーディング・エンジニアって皆さんの想像してるより、ずっと地味な職業ですよ。

日の当たらない場所に何時間も拘束されてるし、同じ事の繰り返し・・・。

でも、それが楽しいのです。

音楽が好きでないと出来ないでしょうね。

エンジニアに限らず、音楽関係の職業についている人は音楽バカです。

中途半端な考え方や志で、レコーディング・エンジニアを目指している人は考え直した方が良いと思います。

仮にスタジオに就職できたとしても、多分１ヶ月もたないでしょう。

ちょいと今までと方向が違っちゃいましたが、思い当たる事があって今回こうして書いてみました。

今回はリバーブ（エコー）について説明します。

リバーブとは日本語にしてみると、音響残響装置ですね。

原音に対して残響を付け加える装置です。

リバーブの種類は大きく分けて３種類ありまして、プレート（鉄板）系、ホール系、ルーム系の３つです。

他にエフェクト系のリバーブもありますが、基本的にはこの３つです。

それぞれの特徴として、プレート系は素直な感じ、ホール系はホワッとした感じ、ルーム系はソリッドな感じです。

プレート系のリバーブは、どんな音に付けても違和感がありません。

一番使用頻度の高い種類のリバーブです。

ＥＭＴという大きさが畳3畳分くらいの非常に大きな機材のリバーブがあるのですが、それは僕の非常に大好きなリバーブです。

メンテナンスの行届いてるＥＭＴは素晴らしいサウンドがします。

ホール系のリバーブはストリングスやブラスセクション等、全体的にホワッとさせたい時にはホール系のリバーブを使用します。

ホール系単体の時もありますが、プレート系と混ぜて付ける事も多いです。

個人的にヴォーカル・リバーブはホール系を使用します。

このリバーブを使用する時に、原音のエッジがわからなくなるまでかけるような事はあまりしません。

沢山かかっているけどリバーブが見えないという絶妙なかけ方をすると、非常に美しく聴く事が出来ます。

ルーム系のリバーブはドラムスやエレキギターにかける事が多いです。

とにかくエッジを出したい時には使用します。

部屋の中で演奏している感じを出したい時には、名前の通り、このリバーブを使用します。

さて、それぞれのリバーブの特徴を上記で説明しましたが、細かく分けると色々な種類のリバーブがあります。

ホール系では、ラージ・ホール、ミディアム・ホール等そこからまた沢山の種類があります。

しかし、沢山有っても使用するのは決まってしまいますね。

他にエフェクト系で、ディレイ、ハーモナイザー、フェーザー、フランジャー、コーラス等があります。

この辺はリバーブとはまたちょっと違うので、おいおい説明していきます。

個人的なベスト・リバーブはＥＭＴとＱｕａｎｔｅｃです。

これさえあれば他は要らないくらい大好きです。

特にヴォーカルにＱｕａｎｔｅｃのリバーブを使用すると、太くて素晴らしいサウンドになります。

ほとんどレンタルしてますが、なんとか手に入れたい機材です。

今回はコーラスの録音について説明します。

基本的にメインボーカルの録音が終わったらコーラスの録音をします。

理由は幾つかあって、まずコーラスパートに字ハモがあると、メインボーカルと長さやタイミングを合わせないといけません。

後メインボーカルの録音時まで歌詞が決まっていないという事もあります。

もう一つ大きな理由は、トラック（チャンネル）の問題が大きいです。

よくある例として、三声ダブルというコーラスアレンジがあります。

これは高、中、低の３パートをダブらせるのですが、

例えば一番高いパート（高）を唄い、厚みを出すために同じパートをもう一度唄います。

つまりこれだけで２チャンネル使用します。

これを３パート録音すれば６チャンネル必要になります。

メインボーカルを録音する前に、コーラスのパートでそれだけチャンネルを使用してしまえば、メインボーカルを録音するチャンネルが無くなってしまいます。

このような理由で、メインボーカルを録音した後にコーラスパートを録音します。

録音方法ですが、これは上記で述べましたが、一人が３パート重ねる時もあれば、それぞれのパート別にミュージシャンを呼んで、一緒に録音する事もあります。

一人で重ねる時は全てとはいいませんが、メインボーカルを唄ってる人がコーラスパートも録音する事が多いです。

この方法のメリットは、三声のバランスをトラックダウン時に細かく取る事が出来ます。

デメリットはチャンネルを沢山使用する、録音時に時間がかかってしまう、等といった事が挙げられます。

それぞれのパートでミュージシャンを呼んで録音する時のメリットは、短時間で録音できる、チャンネルが少なくて済む、等ですね。

デメリットは内声のバランスを録音時に取らないといけないので、トラックダウン時に内声のバランスを変える事が出来ません。

一人で重ねる方法と、数人で一緒に唄う方法とでは、アレンジは全く一緒でも聞こえ方は全く違います。

一人が一本のマイクに向かって唄うのと、数人が一本のマイクに向かって唄うのでは、空気感とか厚みが違います。

前にとあるアーティストの録音時にアーティストとディレクターの協力を得て、パート別にマイクを変えて録音したのですが、非常に素晴らしいコーラスを録音する事が出来ました。

高いパートは高音域にキャラクターを持つマイクを、真中のパートはレンジの広い素直なマイクを、低いパートには低音域にキャラクターを持つマイクをそれぞれ使用してみました。

ぱっと聴きは殆どわからないと思いますが、現場にいる人には好評でした。

エンジニアとしてコーラスの録音時に注意する事は、唄っている人にしっかりと三声を聞こえる様に、コーラス・バランスを取らなければいけません。

中には一度唄ったパートをカットして他のパートを唄う人もいますが、それをしてしまうとコーラスのアンサンブルがわからないし、コーラスのバランスも取れません。

でも、唄う人が一番唄いやすい方法を取る事が先決です。

今回はストリングスセクションの録音について説明します。

ポップスやロックでの一般的な編成は、１ｓｔＶｉｏｌｉｎ（以下１ｓｔＶｌｎ）、２ｓｔＶｉｏｌｉｎ（以下２ｓｔＶｌｎ）、Ｖｉｏｌａ（以下Ｖｌａ）、Ｃｅｌｌｏ（Ｃｅ）、という編成が一般的です。

人数は６４２２くらいですね。

劇判等ではこの編成にＣｏｎｔｒａ　Ｂａｓｓ（以下ＣＢ）が加わります。

劇判、演歌等の録音ではほぼ同録で行いますが、ポップスの場合、殆どがダビングで録音します。

録音の方法ですが、上記の編成（６４２２）だと各セクションにマイクを１本ずつ立てるだけです。

つまり４本で済みます。

後はアンビエンスマイクを２本立てるくらいです。

１人ずつにマイクを向ける事はカルテットでない限りしません。

セクションの並び方ですが、１ｓｔＶｌｎが向かって左側にきて、後は横に２ｓｔＶｌｎ、Ｖｌａ、Ｃｅ、と並んでいきます。

それが一般的なのですが、スタジオによっては箱の大きさの問題で縦に並べたりもします。

その時は向かって前方の左側に１ｓｔＶｌｎ、前方の右側に２ｓｔＶｌｎ、後方の左側にＶｌａ、後方の右側にＣｅ、といった具合に並べます。

マイクセッティングに関してですが、プレイヤーの頭上１．５〜２Ｍ位離してマイクを立てます。

Ｃｅに関しては比較的オン気味（１Ｍ位）離れた位置にセッティングします。

アンビエンスに関しては横に並んでいる時は２ｓｔＶｌｎとＶｌａの中間に立てます。

縦に並んでいる時は位相の問題があるので、個人的には立てません。

録音時にエンジニアとしてどのような事に注意するかといいますと、ストリングスのダビングはかなり早い時間に終わってしまうので、素早くレベルを決め、アルコ（白玉）とピッチカートのレベルがかなり違うので、ピッチカートの時はレベルを持ち上げないといけません。

とにかく譜面を頭に叩き込む必要があります。

コンプレッサーやイコライザーをかける暇はあまりないですね。

レベルやバランスが決まってしまえば後は比較的楽にセッションを進める事が出来ます。

このような感じでストリングスの録音を進めていきます。

今回はブラスセクションの録音について説明していきます。

ブラスセクションの編成がトランペット（Ｔｒｐ）、トロンボーン（Ｔｒｂ）、バストロンボーン（ＢＴｒｂ）、ホルン（Ｈｒｎ）、チューバ（Ｔｕｂａ）という編成で説明していきます。

まずＴｒｐですが、人数は３，４人が普通です。その時にマイクを人数分立てる事は殆どしません。

基本的には１本で済ませたいのですが、Ｔｒｐのバランス（内声）を考えた時に２本がベストである時は立てます。　

何故少ない本数で済ませたいのかといいますと、４人が１本のマイクに向かって吹いている音と、それぞれに立てたマイクに向かって吹いている音では、音圧感が全く違うからです。

１本のマイクに向かって吹く方が圧倒的に音圧があります。

これは後作業でどうにかなるものでは有りません。

人数分マイクを立てて後で纏める事も出来ますが、内声のバランスはとれても音圧感だけはどうしようもありません。

この事に関しては、ブラスセクションだけでなく、全ての楽器に当てはまります。

次にＴｒｂ，ＢＴｒｂですが、それぞれマイクは１本ずつ立てます。

Ｔｒｂに関しては内声のバランスを考えるとそれぞれに１本ずつ立てたいのですが・・・。

楽器が比較的大きいので、座る位置も第1、第２が少し離れてしまいます。

お互いにマイクに向かって吹いてもどうしても遠くなってしまうので（譜面台の問題もあるが・・・）、マイクに余裕があるときは極力立てるように心がけています。

上記で述べた事と矛盾していますが・・・。

Ｈｒｎに関してですが、クラッシックの録音（特にホール録音）とポップスの録音ではマイクのセッティングが全く違います。

クラッシックの時はプレーヤーの前にマイクを立てますが、ポップスではその様なセッティングは殆どしません。

後ろ側にマイクを立て、マイクは１人に付き１本立てます。

直接的な音を狙うというよりかは、若干ラッパの部分？より上の位置にセッティングします。

後つい立等を後ろ側に置いておくと反射音が上手く拾えます。

つい立を置くだけで音の抜け方が全く変ってきます。

Ｔｕｂａに関してですが、これはラッパの真上にマイクを立てます。

同録では一緒のセクションで録音していきますが、ダビング時はＴｕｂａだけ別に録音する事が多いです。

とにかく吹くのが大変そうですね。

大体このような感じなのですが、ブラスセクションのマイキングは全体的にオフ気味（１〜２Ｍ程度離れた位置）に立てます。

ピークが強い楽器なので、近くにマイクを立てると音が歪んでしまったり、レベルがとれません。

オフ気味に立てた方が音が綺麗に伸びて来た所を拾えます。

ブラスセクションの録音で使うマイクは、ピークに強いマイクを使用します。

個人的な好みで言ってしまえば、ＴｒｐにはＲＣＡ-７７Ｘ、Ｔｒｂ，ＢＴｒｂには４７ｆｅｔか６７、Ｈｒｎ，Ｔｕｂａには４７ｆｅｔですね。

このマイクを使って録音出来たら、もう涙がちょちょ切れる位嬉しいです。

でもなかなかないんですよね・・・。

エンジニアはスタジオにある機材（マイクを含め）で最高のサウンド作りを心がけなければいけません。

無いからといって借りるのは・・・。

今回はヴォーカルの録音について説明します。

唄物のレコーディングで一番重要になるのがヴォーカル録音です。

ですから周りのプロデューサーやディレクターは気合が入っていますし、もちろん歌手の人も気合が入っています。

ヴォーカルの録音の時にエンジニアはどのような事を注意しているか・・・？

まず重要なのは歌手の人が唄い易いようなモニターバランスを取ってあげなければいけません。

コードやリズムをしっかり感じるモニターバランスが必要です。

後は自分の声が頭の芯で聞えてくるような処理をしなければなりません。

自分としては声を張って唄っているけど、聞え方はつまったような感じ（コンプレッサーのかけ過ぎ）だったり、リバーブで声が遠くにあるような感じではいけません。

とにかく唄が抜けて聞えるようにします。

このような事に気をつけないとベストなテイクを録音する事が出来ませんし、エンジニアは歌手が最高の状況で唄える環境を作る必要があります。

これで全て完了という訳ではありません。

このような状況を作りましたらヴォーカル録音が始まるのですが、唄っている時にはきちんとレベル・コントロールをする必要があります。

唄中でキーの低い所や、ささやいて唄っている所はきちんとレベルを持ち上げる必要がありますし、逆に声を張っている所はオーバーレベルになりやすいので、レベルを下げる必要があります。

しかしこの辺はエンジニアによってばらばらで、一度レベルを決めたら全くフェーダーを動かさない人もいます。

後処理（ＴＤ）を考えての事なのですが、僕はその逆で、ＴＤの事はヴォーカル録音の時に考える事ではないので、今出来るベストな録音をしようと心がけています。

ヴォーカルの録音は頭から通しで唄うという訳ではありません。

勿論その様な方法で録音もしますが、パーツ事に録音していく方法もあります。

激しい曲とか、喉の弱い人はパーツで録音していく事が多いです。

一番と二番と別の日に録音したという事も少なくありません。

無事ヴォーカル録音が終了したら一本に纏める作業に入ります。

前にも述べましたが、それぞれのトラックから良い所を抜いて纏めていきます。

良いテイクをより素晴らしいテイクに変えようと必死に選びます。

この作業だけで数時間かかる事もあります。

このような感じでヴォーカル録音は進みます。

終わる頃には皆さんぐったりしてますね。

今回はトラックダウン（ミックスダウン）についての説明をします。

トラックダウン（以下ＴＤ）とは、マルチトラックテープに録音した音を２ｃｈ（ステレオ）にまとめる作業の事をいいます。

この作業をしないとＣＤになりません。

さてどのような事をするかといいますと、リバーブ（エコー）をつけたり、コンプレッサーをかけたり、定位をつけたりして、聴き易くなるようにバランスを取っていきます。

ＴＤには決まったやり方というのはありません。

これはエンジニアの感性で作業を進めていきます。

時間は人それぞれ違いますが、僕はだいたい４〜５時間を目安に作っていき、それで関係者に聴いてもらって手直ししていきます。

中には２時間くらいで作ってしまう人もいれば、１０時間以上かけるひともいます。

私は長時間集中力が続かないので、早めに作り込んでいきます。

まずはリバーブに関しての説明をします。

リバーブにも沢山の種類があってプレート（鉄板）系、ホール系、ルーム系等色々あります。

ＴＤをしていく上で、何種類ものリバーブを使用していきます。

例えばドラムスにはルーム系のリバーブを使い、ギター、ピアノ等にはプレート系、ストリングスやブラスにはホール系のリバーブを使用します。

勿論ヴォーカルにも専用のリバーブを用意します。

次にコンプレッサー（以下コンプ）の説明をします。

これは何かといいますと、音量感を変えずに音圧を変える機械です。

コンプはＴＤでかなり駆使します。

コンプの使い方で作品の上がり方もがらっと変ります。

気がついたら全ての音にコンプがかかってる事も多々あります。

例えばヴォーカルで声を張って唄っている場所があるとします。

そのままにしておくとレベルが取れず、メーターも振り切ってしまい、オーバーレベルになります。

そういう時にコンプを使用すると、ある程度のレベルで引っ掛ってくれるので、レベルも取りやすく、バランスも取りやすいのです。

こうして１つ１つ音を調整していって皆さんに聴いてもらうのです。

今回は大編成のスタジオ録音について説明していきます。

最近では大きな編成での録音は少ないのですが、映画音楽、アニメーションの劇伴、演歌等は同時録音（同録）でレコーディングします。

映画音楽、アニメの劇伴でのよくある編成は、ドラムス、ベース、ギター、ピアノ、シンセ、ラテンパーカッション、ブラス、ストリングス、木管楽器、クラッシックパーカッション等といった感じです。

総人数３０〜４０人くらいです。

演歌は上記の編成に後はマンドリンやアコーディオン（クラビ）等が加わります。

もちろん曲にもよりますが、ブラスや木管が入らない場合もあります。

総人数は２０〜３０人くらいです。

録音はそれぞれの楽器をブースに入れたり、ついたてで仕切ってセパレートして録音します。

これだけの人数で一斉に録音するので、スタジオも大きな箱でないといけません。

個人的にはセパレートして録音するのはあまり好きではなく、それぞれの楽器が良い感じに音がかぶってくれる方が臨場感が出て好きなのですが、スタジオ事情もありましてなかなかそうは言ってられません。

特にブラスセクションとティンパニーに関しては音がかぶってこそ、素晴らしいサウンドになります。

エンジニアとしても同録は非常に気合が入ります。

指揮棒が降られた瞬間に全ての楽器が鳴るので、モニターバランスを取るのも大変です。

全ての楽器が聞こえてくるようにバランスを取らないといけません。

ミュージシャンも自分の音が聞こえてこないし、アレンジャーもアレンジが見えてこないので緊張します。

しかし、一発でモニターバランスが取れていた時は鳥肌が立つほど最高に気分がいいです。

マイクはかなりの本数になります。

５０本くらいでしょうか。

それだけでフェーダーが一杯になる事もあります。

ストリングスは基本的にパートで１本でいいのですが、たまに血迷って？ワンプルトンに１本立てたりすると、それだけで１５本くらいいってしまいます。

アンビエンス・マイクは僕は立てる事はないですが、これに関してはエンジニアによりますね。

反対にブラスは少ないです。

トランペットは１本、トロンボーンも１本ですが、バストロンボーンがあるとそれ用に立てます。

ホルンは人数分、チューバも人数分です。

だいたいこのような感じで録音は進みます。

今回はコピーとダビングの違いについて説明します。

よく「このＣＤダビングして。」とか「この曲ダビングして。」等言う人がいますが、ダビングというのは重ねるという意味なので、この場合での表現は間違っています。

紙をコピーするのにダビングという言葉は使いませんよね。

では何故音楽ソースの時だけこのような言い方をするのでしょうか？

私の意見なのですが一番考えられる理由として、言葉の響きが良いから・・・と思っているのですが。

後はオーバーダビングという作業があるので、そこからもきていると思われます。

コピーは別の素材に同じように写す事、ですから「ＣＤをコピーして。」とか「この曲コピーして。」が正解です。

今回はテープレコーダーで出来る編集作業について説明します。

まずデジタルのマルチトラックレコーダーで出来る編集作業を説明していきます。

デジタルピンポン（以下デジピン）という作業があるのですが、これは何かといいますと、同じタイムコードで別のトラックにコピーする事をデジピンといいます。

この作業の応用編として、複数のトラックの良い所をだけを抜いて1本のトラックにまとめたり出来ます。

ヴォーカルに関しては、ほぼ全部といって良いくらいこの作業をしています。

例えば「今日は魚が安いです。」という歌詞？？？があったとして、全体は１本目に録音したテイクが良いが、「魚」という言葉のピッチ（音程）が悪いから差し替えたい、という事が多々あります。

そういう時は「魚」という言葉が良いテイクを探してそこだけ別のテイクに差し替えます。

単語だけでなく一言だけの差し替えも可能です。

このような事を書くと幻滅してしまう人もいるかもしれませんが、実際はこのような事をしてしっかりとした良いテイクを作っています。　

更に応用編としてトラック・ジャンプ（以下たたき）という作業もあります。

これはどういう事かといいますと、例えば２ハーフの歌詞で一番のサビと最後のサビが同じ歌詞だったとします。

一番は上手く唄えてるのだが、最後の方はいまいち良くないという場合に、

一番から最後のサビへサンプリングして別の場所に持ってくる事をいいます。

更なるこれの応用編としてタイミングを微妙に（１/１０００秒）ずらす事も可能です。

「こんな事は？」というような事もあらあら不思議・・・出来てしまうのですね。

こうして最善のトラックうを作って皆様に聴いて頂いているのです。

アナログのテープレコーダーでの編集作業ですが、これは前にも説明しましたが「テープを切って貼る。」のみです。

テープレコーダー内での編集作業は出来ません。

昔はアナログテープが主流でしたので誰もが出来ましたが、現在はデジタルテープが主流なので殆ど手切りでの作業はしなくなりました。

アナログテープの編集方法は音を探して、ここだ！！という所でテープを切ります。

これだけなのですが音を探るのが大変なのです。

正規の回転で回していないので手探りで探します。

こればかりは慣れですね。

教えて出来るものではありません。

今回はチャンネル分けについて説明します。

テープについてはＮｏ，３で説明しましたが、テープに録音する為に最初にフォーマットという作業を行います。

フォーマットとはテープに番地を記録させる（タイムコード）事をいいます。

例えば４８ｃｈのマルチテープをフォーマットしているとして、テープ上に48個分の部屋（48本の線という考えでもいいです。）も一緒に記録させていきます。

そうする事によって同じタイム上に４８ｃｈ分の部屋（線）が出来た事になります。

因みにフォーマットしたテープは約３５分くらい録音できます。

６〜７曲分くらいですね。

さてチャンネル分けですが、フォーマットされたテープに１つ１つ音を分けて録音していく事をいいます。

例えばドラムスを例にとって説明しますと、Ｈ/Ｈを１ｃｈ、Ｋｉｃｋを２ｃｈ、タムを３，４ｃｈ等という感じに分けて録音していきます。

基本的にはマイク1本に対し１ｃｈですが、中には同じ楽器に複数マイクを立てて、まとめて１ｃｈにする場合もありますし、タム等広がり（定位）を持たせるために複数立てたマイクを２ｃｈ分使い録音していく時もあります。

チャンネル分けとはこのような事をいいます。

そうする事によって一斉で録音しても間違えた個所があれば、それぞれの楽器だけでやり直す事も出来ますし、オーバーダビングも可能なのです。

今回はＮＯ，２の続きでマイクセッティングが終わった後について説明します。

マイクセッティングが終わりましたら音決めをします。

これは何かといいますと、録音する前にそれぞれの楽器の音を貰い、イコライザーやコンプレッサーをかけたりしてテープに録音するレベルを決めます。

勿論この時にある程度のモニターバランスを取ります。

バンドの録音だと音決めに結構時間をかける事も出来るのですが、スタジオ・ミュージシャンで録音する時は余り時間をかけられないので手早く決めます。

内容によっては時間をかけて音決めする事もありますが、基本的に「短時間で最高のサウンド」を作るようにしなければなりません。

全ての楽器の音決めが終わりましたら譜面の確認を兼ねてテストで演奏します。

この時はテープに録音する事はあまりありません。

エンジニアはこの時にモニターバランスを取ったり、音決めしたりと一番忙しい瞬間です。

音が鳴った瞬間にばっちりバランスが取れていると物凄く気持ち良いのですが、ありゃりゃという感じですとこれはこれは大変です。

演奏し終わりましたらテストで一度録音します。

そこで最終的な確認をして本番で録音します。

基本的には「乗り」が一番重要視されます。

皆が納得のいくテイクが録音出来たら、それをベースに間違えた箇所を差し替えたりします。

テープへ録音する時にチャンネル分けという事をするのですが、次回はこのチャンネル分けについて書いていこうと思います。

今回はマルチトラック録音と２トラック録音の違いについて説明します。

まずマルチトラック（以下マルチ）録音ですが、現在のレコーディングでは殆どがこの方法で行われています。

それぞれのパートをばらばらにテープに録音していくのですが、マルチトラックテープという物がありまして、これはデジタルテープとアナログテープの２種類あります。

デジタルテープには２４ｃｈ、３２ｃｈ、４８ｃｈの３種類、アナログテープには４ｃｈ、８ｃｈ、１６ｃｈ、２４ｃｈの４種類それぞれあります。

マルチテープと１本のテープにチャンネル分（例えばデジタルの４８ｃｈテープなら４８ｃｈ分）の線が入っていて、そこにそれぞれのパーツに分けて録音出来るテープです。

この辺はテープレコーダーにも関係してくるのですが、それに関しては別の機会に説明します。

マルチ録音の特徴ですが、パート別に録音出来る、差し替えが容易に出来る、テープ上での編集作業が出来る等といった事が上げられます。

これにより、より複雑に、より細かく等突き詰めて作業が出来ます。

因みにマルチトラック録音の可能性を引き出したのは「ビートルズ」ですね。

特にアルバム「サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブバンド」以降は当時としてはかなり実験的なレコーディングをしていたと思います。

次に２トラック（以下２ｃｈ）録音ですが、これは簡単に言ってしまえば「一発録音」です。

クラッシック、ジャズ、純邦楽、民族音楽等マルチ録音もありますが、殆どが２ｃｈで録音します。

２ｃｈ録音の特徴は、その場の雰囲気をテープ上に録音出来る、短時間で録音出来る、制作費を安く上げる等といった事が挙げられます。

マルチと違い、間違えたからといって容易に差し替えは出来ません。

ではどうしているかといいますと、間違えた箇所の前後を一斉に録音して、それが良ければテープを切って貼りつけます。

これは機械では出来ません。

手動？で行います。

正に職人の作業といえるでしょう。

私の得意とする作業です。

２ｃｈのテープはデジタルとアナログの２種類ありますが、デジタルのテープに関しては切って貼るという事は出来ません。

きちんと専用の編集機があります。

今回はロック、ポップスのリズム録音について詳しく説明します。

編成がドラムス、ベース、ギター、ピアノという一般的な編成で話を進めます。

最初にドラムスについてですが、プレイヤー（曲にもよりますが）によってドラムスのセッティングが違います。

ここでは普通のセッティングで話を進めていきます。

基本的にキック（Ｋｉｃｋ）、スネア（ＳＮｒ）、タム（Ｔｏｍ）、ハイハット（ＨＨ）、シンバル（ｃｙｍｂ）といったセッティングです。

録音はどのようにして録っていくかといいますと、当たり前の事なのですがマイクを立てます。

パーツ事にマイクを立てていきますが、エンジニアによってマイクの種類や本数等ばらばらです。

まずキックですが、オンマイク（近く）、オフマイク（遠く）でそれぞれ１本ずつ立てます。

個人的にオフマイクはあまり好きではないので、オンマイクで２本種類の違うマイクを使用します。

スネアは表と裏に１本、タムもそれぞれに１本、ハイハットも１本それぞれ使用します。

シンバルは基本的に２本使用しますが、枚数の多い時は追加します。

シンバル１枚ごとにマイクを立てることはしません。

パーツだと基本的にこのようにマイクを立てます。

後はアンビエンスを録音する事もあります。

部屋の響きを録音するのですが、マイクは２本でドラムセットから少し離れた位置に立てます。

次にベースとギター（エレキです。）ですが、アンプを鳴らす事が多いです。

ギターは基本的にアンプのみですが、ベースはラインの音も一緒に録音します。

マイクはそれぞれ１〜２本使用します。

ピアノは基本的にＬＯＷ，ＨＩとそれぞれ１本ずつ使用します。

マイキングはエンジニアによってかなり違います。

ハンマーに近づける人もいますし、オフ気味に立てたりと色々です。

個人的にはオフ気味に立てます。

だいたいこのような感じでマイクを立てます。

全てがこの方法ではありません。

あくまでも一般的な方法です。

「仕事は何ですか？」と聞かれ、「Ｒｅｃｏｒｄｉｎｇ　Ｅｎｇｉｎｅｅｒです。」と答えると「オオー！」とか「凄いですね。」とかよく言われるのですが、しかしどのような作業をしているか知らない人が多いようです。

そこで今回からこのページで「Ｒｅｃｏｒｄｉｎｇ」について書いていこうと思います。

「Ｒｅｃｏｒｄｉｎｇとは・・・？」Ｒｅｃｏｒｄ＝記録、ｉｎｇ＝現在進行形、つまりＲｅｃｏｒｄｉｎｇ＝記録をしているという事になります。

まずはＲｅｃｏｒｄｉｎｇの流れを大まかに説明します。

一番最初にリズムの録音をします。

今回は打ち込みではなく生楽器を例に書いていきます。

編成はジャンルによって異なりますが、一般的なポップス、ロックのＲｅｃｏｒｄｉｎｇだと、ドラムス、ベース、ギター、ピアノ、シンセサイザー等で一斉に録音します。

そこで何度か録音して、良いテイクが録音出来たら間違えた箇所があれば差し替えをします。

一箇所間違えたからといって全部やり直す必要はありません。

例えばベースで「１コーラス目のＢだけ間違えたのでやり直したい。」というのであれば、そこだけ差し替える事が出来ます。

ＣＤを聴いても分からないと思いますが、実際はこうして直しています。

そうしてリズム（ベーシック）の録音が終わりましたら、オーバーダビングをしていきます。

例えばギターだと一曲の中で色々な音色の音が聞こえると思いますが、わざわざその分人を呼んでいる訳ではありません。

一人の人が何度も演奏しているのです。

次ぎに曲によってはブラスセクションやストリングセクションをダビングしたりします。

最後にシンセサイザーのダビングをしてオケに関してはこれで終了です。

次は肝心の唄入れをします。

人によって違いますが、何度も何度も唄う人もいれば数回で唄い終わってしまう人もいたりと、この辺はバラバラなのですが、だいたい４〜５テイクくらい録音します。

その中から一番良いテイクを選んで、それをベースに悪い箇所を直していきます。

この辺は楽器と一緒なのですが、唄の場合キープテイクから選んでいったりします。

例えば全体の雰囲気はこのテイクがいいけど、何箇所かピッチ（音程）やリズムの悪い箇所があったとします。

そのような時は他の上手く唄っているテイクから選んで、殆どの唄は色々なテイクを繋ぎ合わせて一本にまとめます。

この辺の事はその内に詳しく説明をします。

こうして唄入れが終了して最後にコーラスの録音をします。

これでオケに関しては全て終了です。

全て終了したらトラックダウン（ミックスダウン）という作業にとりかかります。

これはどんな作業かといいますと、ばらばらに録音した音をステレオ（２ＣＨ）にまとめる作業です。

この時にリバーブ（エコー）を付けたりコンプレッサーをかけたり定位を付けたりします。

最後にマスタリングという作業があります。

トラックダウンとマスタリングに関してはその内に詳しく説明します。

マスタリングが終了しましたらＣＤプレス工場にマスターテープを工場に送って後は盤が出来あがって来るのを待つだけです。　

とりあえず概略ですが、今後はそれぞれの事に関して詳しく説明をしていこうと思います。